Sandro Botticelli

(Alessandro di Mariano Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510) Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.

Uno de ellos fue Filippo Lippi, maestro e inspirador de la obra de Botticelli. Éste comenzó su trayectoria artística con obras de temática religiosa,

en particular vírgenes que, como la Virgen del Rosal, denotan un gran vigor compositivo.

En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. Un primo de Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de Médicis, le

encargó la alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas y el centauro.

Fue toda una novedad en aquella época realizar obras de gran formato que no fueran de temática religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación del mecenas con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían reproducir las obras encargadas. De ellas se han realizado interpretaciones de enorme complejidad, que van mucho más allá de su gracia evocadora.

A la misma época corresponden también La adoración de los Reyes Magos y el Díptico de Judit, obras igualmente emblemáticas. El hecho de que en 1481 fuera llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros tres grandes maestros, hace suponer que ya gozaba de un gran prestigio. A su regreso a Florencia realizó obras, como la Natividad mística, más solemnes y redundantes, probablemente influido por la predicación tremendista de Savonarola. Se le deben también bellísimos dibujos para un manuscrito de la Divina Comedia de Dante.

Eclipsado por las grandes figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha permanecido ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su obra a mediados del siglo XIX. Su estilo se perpetuó en cierto modo a través de los artistas formados en su taller, entre ellos el hijo de Filippo Lippi, Filippino Lippi.

Algunas de sus obras...

Sobre su obra La Primavera...

Sobre su obra El Nacimiento de Venus...

 El Clima Apocalíptico de Savonarola

Los últimos años de siglo han estado llenos de visiones apocalípticas y de presentimientos de la inminencia del fin del mundo. Fenómeno vivido también en Florencia. Cuanto más a su fin tocaba el siglo XV, más fuertemente se extendía el temor ante un pronto ocaso del mundo y ante la cercanía del Juicio Final. En ardientes sermones lo anunciaba el dominico Girolamo Savonarola, exhortando a los florentinos a arrepentirse y hacer penitencia por su vida pecaminosa y demasiado mundana. Como mal por antonomasia, el dominico combatió la vida de lujo de los ciudadanos. Así el 7 de febrero de 1497, en la Piazza della Signoria, sede del Gobierno, hizo una «hoguera de las vanidades», en la que quemó ropas suntuosas, muebles, libros, cuadros y otros artículos de lujo. Sabemos que entre la multitud también se encontraban artistas que dieron a las llamas sus propios cuadros y dibujos. De Lorenzo di Credi, un compañero de Leonardo da Vinci, por ejemplo, está testimoniado que destruyó buen número de sus estudios de desnudos por considerarlos entonces indecorosos. Tambien de Botticelli se dice que, llevado por la emoción general, quemói algunos de sus cuadros, si bien no está probado con seguridad.

Ejecución de Savonarola en Piaza della Signoria, 1498
Las actividades de Savonarola, que abocaron en el fanatismo, despertaron la oposición de cada vez más personas contra el predicador. En 1498 fue hecho prisionero, condenado por herejía a morir públicamente por la cuerda y la hoguera.

El Infierno Dantesco por Botticelli

Botticelli pintó varias veces en su vida ilustraciones de la Divina Comedia de Dante Alighieri. Los dibujos del ciclo aquí presentado fueron hechos en un periodo de tiempo largo, aproximadamente entre 1480 y 1500. No es improbable que estas ilustraciones puedan identificarse con el ciclo de Dante que Botticelli pintara para su bienhechor y mecenas, Lorenzo di Pierfrancesco, de la familia Medici.

Por razones desconocidas, los dibujos no llegaron a terminarse. Sólo 4 de las 93 hojas conservadas -9 ilustraciones se han perdido en el curso del tiempo- están coloreadas, lo que primitivamente se había previsto para todas.

La Historia

Los Noventa y dos folios que forman esta serie incompleta de ilustraciones para la Divina Comedia no se encuentran juntos, sino que están separados en dos grupos. Por un lado, ochenta y cinco de ellos se encuentran en Berlín, mientras  los otros siete pertenecen a la Biblioteca Vaticana. Los dibujos de Botticelli quedaron en el olvido poco después de su realización, ya que tras las noticias que nos dejó Vasari acerca, solamente, del grupo de los diecinueve ilustraciones, nada se supo de ellos hasta finales del siglo XIX. Éstos comenzaron a ser conocidos en 1882, cuando pasaron de la Colección Hamilton, en Escocia, al Kupferstichkabinett de Berlín, y sobre todo gracias a la obra de Lippmann. Cuando el museo berlinés se hizo cargo de los pergaminos, procedió a separarlos de la encuadernación en la que se encontraban y fijarlos sobre cartones duros para así poder analizarlos y reproducirlos con mayor comodidad y seguridad.

Poco después de la aparición de la obra de Lippmann en 1896, fueron hallados en los fondos de la biblioteca de la reina Cristina de Suecia otro siete folios que posteriormente pasaron a la Biblioteca Vaticana. Éstos estaban en un códice misceláneo que contenía dieciocho obras diferentes, conservados de forma fragmentaria y sin ninguna conexión entre ellos. Los fragmentos habían sido hechos encuadernar por Pío IX. Los siete folios con dibujos ilustrativos de la Divina Comedia eran iguales a los del museo Berlín, por lo que pertenecían a la misma obra, y contenían siete dibujos que ilustraban siete cantos del "Infierno". Más tarde, el mismo Lippmann, tras haber analizado los dibujos encontrados en Roma, los reprodujo igual que el resto.

Después de la Segunda Guerra Mundial, los folios conservados en Berlín fueron separados en dos grupos, quedando uno, de cincuenta y siete folios, referentes a la mayor parte del "purgatorio" y a todo el "Infierno", en la parte oriental de la ciudad, en Kupferstichkabinett, y otro de ventiocho, en la occidental, en el Museo de Dahlem. Por lo que respecta a los que se encontraron en la Biblioteca Vaticana, después de ser analizados minuciosamente por Lippmann y otros estudiosos como Lamberto Donati, fueron encuadernados nuevamente.

Actualmente, los folios se encuentran custodiados por las mismas instituciones que los han conservado, por lo que la Kupferstichkabinett de Berlín sigue teniendo en su poder ochenta y cinco, mientras la Biblioteca Vaticana tiene los siete restantes. En ambos lugares, la situación de tutela y conservación de los dibujos hace imposible el acceso del público al mismo. 

El Estilo

Botticelli es un pintor cuyo estilo se ha caracterizado por el uso de la línea, una línea movida y elegante que es un elemento fundamental en toda su producción artística, sobre todo en una época en la que la mayoría de los artistas estaban más preocupados por la representación de la tridimencionalidad y la perspectiva por medio de los colores y las luces. La línea juega un papel importantísimo en la serie de ilustraciones para el poema de Dante, debido principalmente a la ausencia de color. Estos dibujos están realizados con una gran economía de medios (una simple punta de metal, pluma y tinta), dando vida a los personajes con escasos trazos.

A este respecto se han referido también la mayoría de los investigadores, emitiendo valoraciones críticas tanto de un modo positivo como negativo. Así, Venturi señala que el pintor utilizó la fuerza expresiva de la línea para mostrar al espectador las numerosísimas matizaciones psicológicas de los personajes y de las distintas situaciones que Dante plasmó en su poema mediante palabras, y dice que "ninguna pintura de Sandro es más altamente significativa de su genio que estas señales de líneas inspiradas por las páginas del divino poema". En unos términos similares se ha pronunciado otro autor, Bertini, quien alaba la innagotable variedad de detalles de que constan estos dibujos, aunque afirma que la línea ya no posee un carácter gotizante, como había sido habitual en la obra de Botticelli, sino acusadamente renacentista. Por el contrario, Berenson dice acerca de la importancia de la línea en estos dibujos, que sería absurdo pensar que solamente mediante líneas y contornos se puedan expresar las sensaciones y emociones que brotan de los versos de Dante, y que la grandeza de estas ilustraciones reside en haber salido de la mano "de uno de los máximos artistas de la línea pura", es decir Botticelli, y no por ilustrar la Divina Comedia.

Para conocer más sobre estas ilustraciones descárgate este artículo:
La Divina Comedia Ilustrada por Sandro Boticelli de A. S. Soler

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... y observa este Video: Visiones de Violencia y Belleza

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... Y para que conozcas más sobre la vida y la obra de este gran pintor renacentista, aquí les dejo, como siempre, el libro de Barbara Deimling  editado por la famosa casa Taschen. ¡Espero que lo Disfruten!... y, de paso, no estaría mal que dejen algún comentario... No sean "Desagradecidos"!!!!! jeje. =)

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¡PRONTO!

Mezclar Colores

«El color es el más subjetivo de los medios que utiliza el artista» La frase es de Josef Albers, pintor alemán, teórico y pedagogo del color, y un gran estudioso de los efectos psicológicos del cromatismo pictórico. Más de medio siglo de que Albers pronunciase su dictamen, Vincent Van Gogh escribía a su hermano Theo acerca de la imperiosa necesidad de conocer las leyes que rigen el color, «sin las cuales, decía el gran artista, no se logra jamás crear». Estos dos enunciados aparentemente contradictorios son, en realidad, las dos caras de una misma moneda. El color es sin duda expresión subjetiva, pero expresión realizada de acuerdo con una lógica elemental. En este libro se exponen los principios teóricos de esta lógica y las condiciones prácticas para desarrollarlas: las nociones técnicas básicas, así como los materiales y utensilios imprescindibles para que usted pueda iniciarse en la mezcla de colores con pleno conocimiento de causa.

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Teoría y práctica del color

Para nosotros, los artistas, todas las teorías del color pueden resumirse diciendo: "Con sólo tres colores azul, carmín (o púrpura) y amarillo mezclados entre sí, es posible pintar todos los colores de la Naturaleza". Y esto es cierto, usted lo sabe, quizás lo ha experimentado. ¿Pero por qué? ¿Por qué sólo tres colores y precisamente éstos? ¿Por qué un platano es amarillo, un tomate es rojo y el mar es azul? La respuesta a estas preguntas se halla en este libro sobre la teoría de los colores. Cuando usted sepa o usted recuerde el porqué de estos fenómenos, comprenderá mejor, entre otras cosas,  la manera de pintar de los fauves; la gama de colores quebrados usada por Vouillard; poer qué Delacroix, según decía, podía pintar una Venus desnuda, de belleza sin igual, con el color del fango, siempre que le permitieran elegir el color del fondo....

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Composición en la pintura

Percibimos nuestro entorno en gran medida a través de los ojos. Vivimos rodeados de imágenes, nuestra

cultura es eminentemente visual. De entre estas imágenes muchas son bidimensionales; se encuentran impresas, fotografiadas, grabadas o pintadas. El modo de distribuir en el plano los elementos que constituyen una imagen ha sido materia de estudio de los pintores durante siglos. En este ensayo recurrimos a ejemplos de pintura mexicana para hablar de los principales elementos de la composición bidimensional.

La pintura es una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que tenemos registro. Los hombres han pintado a lo largo del tiempo con múltiples medios y diferentes fines y objetivos. Hay una gran diversidad de formas y significados en la pintura; sin embargo, ésta es, en cuanto objeto, una superficie plana cubierta

de líneas, puntos y colores dispuestos según un orden determinado. A ese orden interno, que en combinación con la imagen plasmada marca el propósito y el significado de la obra, se le llama composición.

Ante un lienzo, hoja de papel o muro, el artista toma decisiones: elige la manera de dividir ese espacio, de distribuir cada una de las partes que constituyen la imagen y, en ocasiones, los elementos cromáticos de acuerdo con el orden de la obra. Estas decisiones determinarán el curso general del trabajo.

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Forma y percepción visual

Cuando hablamos de forma nos referimos a dos realidades: por un lado, la apariencia externa de los objetos (su "cuerpo") y, por otro, el modelo mental que tenemos de ellos (su "alma"). Algunas lenguas emplean distintas palabras para ambos conceptos, otras sólo una. En todo caso, aunque estas realidades son bien diferentes, van siempre unidas, como las dos cara de una misma moneda. Esta conexión entre forma material o perceptiva (cuerpo) y forma general o conceptual ("alma") se pone de manifiesto durante el acto perceptivo. La percepción no es un fenómeno pasivo sino un proceso activo: los ojos sólo son receptores de estimulos, pero la mente, auténtica protagonista de la percepción, recoge esos estimulos y los analiza, sintetiza y relaciona con modelos adquiridos en experiencias previas. 

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Perspectiva Para Artistas

Soy consciente de que el contenido de este libro es peligroso.

Porque creo que puede perjudicar la formación artística de un buen aficionado. Sí, el peligro reside en que ese buen aficionado -puede que usted mismo- se obsesione con la perspectiva y no sea capaz de pintar  sin dibujar antes, con regla, escuadra, cartabón y el juego de compases, la situación y la conver-gencia exacta de las líneas que fugan a los puntos de fuga y la línea de horizonte. Sería terrible, entonces, que detrás de la pers-pectiva olvidará la interpre-tación, el color y, sobre todo, la pincelada suelta, la espontaneidad, el pintar alla prima, al primer golpe, con ese frescor de primera intención... ¡Que admite incluso defectos, errores de perspectiva o de lo que sea con tal de que el cuadro sea único, genial!

A propósito de pintar así, incluyendo errores, Van Gogh le decía en una de sus cartas a su hermano Theo:

«Dile a Serret que a mí me desesperaría que mis figuras fueran correctas, dile que no las quiero académicamente correctas (...) dile que mi anhelo es aprender hacer tales inexactitudes, tales anomalías, tales cambios en la realidad, para que salgan,  ¡pues claro!... mentiras, si se quiere, pero más  erdaderas que la verdad literal!.»

Y de ahí mi insistencia, a lo largo del presente libro, para que el lector -usted- dibuje la perspectiva de cubos, círculos, cilindros, mosaicos y edificios A OJO, a sentimiento, a mano alzada, como recomendaba Leonardo Da Vinci, que animaba a los artistas a «aprender a dibujar escorzos y perspectivas a ojo», o como dejó escrito Miguel Ángel, cuando afirmaba que:

«el ojo tiene tanta práctica que, a simple vista, sin más ángulos, líneas o distancias, es capaz de guiar la mano para que presente todo lo que ve... pero no de otra manera que situándolo en perspectiva.»

El subrayado del final de la frase es mío. Porque esta frase de Miguel Ángel, con ese final condicionado, creo que resume todo lo que yo pueda decirle sobre cómoaplicar -sin peligro- sus conocimientos de perspectiva si, como espero, el contenido de este libro le ayuda a perfeccionarlos. Se trata, en resumen, de:

Dibujar y pintar a ojo, pero teniendo en cuenta la perspectiva.

Y tómelo con calma, pero entérese a fondo; porque éste no es un libro para leer y recordar simplemente, sino para leer y practicar para aprender. Le recomiendo, pues, que lea con lápiz y papel a mano, dispuesto a probar , a dibujar. Y hágalo a trozos, por etapas, sin prisas pero sin pausas, como una asignatura pendiente que no exige un examen ya, pero que deberá responder el día menos pensado cuando pinte un cuadro en el que cuente la perspectiva. 

 José M. Parramón. 

  

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Los Lápices de Colores

HISTORIA DE LOS LÁPICES DE COLORES

Se dice que comienza la historia en el año de 1564, cuando en un poblado de Cumberland, Inglaterra, se derrumbó un árbol, dejando restos de una masa de aspecto negro y mineral desconocida, la cual es llamada

actualmente “plombagina”. Dicho material fue muy útil para los pastores que buscaban administrar su ganado, marcándolo con dicho descubrimiento. Nada que ver con la mayoría de las aplicaciones de hoy ¿cierto?

Curiosamente, durante el siglo XVIII, las minas de grafito eran oro puro, y si los trabajadores tomaban material para otros fines destinados a los de la milicia, la Corona Inglesa castigaba hasta con pena de muerte. Por tanto uso… hubo una obvia escasez de grafito en Inglaterra. En 1750, Kaspar Faber, artesano de Baviera, mezcló el grafito con polvo de azufre, antimonio y resinas, hasta que dio con una masa espesa y viscosa que convertida en varita se conservaba más firme que el grafito puro. Kaspar llamaba "plomo" al grafito, un mineral de color negro agrisado, graso al tacto, compuesto casi exclusivamente de carbono y sumamente blando. Las primeras minas se fabricaron con varillas de grafito. Más tarde, se fue mejorando su calidad al incorporarle otras sustancias como el azufre y la arcilla que Conté le agregó en 1795 y que todavía se sigue utilizando.

Lothan Faber fue el primer personaje en patentar el primer lápiz de grafito en Alemania, quien adquirió las propiedades de lo que ya se había avanzado hasta ahora, lo demás, es historia. En 1795 el químico e inventor francés Jacques Conté, produjo por primera vez lápices hechos de grafito, molido con ciertos tipos de arcilla, prensado en barras que se horneaban en recipientes de cerámica, se rodeaban de madera de cedro. Por otra parte, se dice que el real inventor fue Josef Hardtmuth, quien se dispuso a cocer materiales y agregar cera para que dejara rastro en el papel.

Para 1812, William Monroe, de Massachusetts, fabricó la primer máquina que producía tablillas cilíndricas de madera entre 16 y 18 cms, la cual fue el modelo de producción actual del lápiz de color. Continuemos por definir qué es el lápiz de color en sí y su método de fabricación.

¿Qué es un Lápiz de Color?

El lápiz de color o policromo es un conjunto de materiales mezclados, procesados e integrados de varias sustancias minerales, como el grafito, la cera y la arcilla, para dibujar con ellos; es un barra de arcilla encerrada en un cilindro o prisma de madera. Conocidos comúnmente como lápices coloreados, éstos tienen centro de cera con el pigmento y otros aditivos. 
Múltiples colores se mezclan a menudo juntos. La variedad de un set de lápices de crayón se puede determinar por el número de colores únicos que contiene, pueden encontrarse en el mercado lápices de colores triangulares, hexagonales, redondos y hasta plástico-flexibles.

El lápiz de color es versátil y conveniente. Permite producir efectos variados desde finas y delicadas líneas, pasando por tramas paralelas, tramas cruzadas y tramas libres hasta zonas de sombreado denso.

Los lápices de colores han demostrado que son de gran utilidad para el boceto de lo que posteriormente se convierte en storyboards, ilustraciones, carteles, diseños varios, cuadros, en técnica mixta.

El lápiz de color se distingue porque…

Son bastante fáciles de utilizar en comparación con otras técnicas de ilustración, haciendo casi igual uso que el lápiz de grafito, sólo que se podría decir que el de color es más fino y con acabado más satinado.

Se utilizan para trabajos de baja escala, ya que el recubrimiento de los soportes es más superficial que los demás métodos, ya que el caolín impide que puedan tener más profundidad en los mismos, como contraste, los lápices de colores permiten un buen bosquejo y una mayor precisión de los detalles del “artwork”. Una desventaja a nombrar es que el producto crea una capa delgada nublada de cera, la cual se puede evitar haciendo buen uso del fijador. Otra característica representativa es su transparencia, esto quiere decir que se pueden realizar varias capas y combinar colores para obtener distintas tonalidades; se puede decir que los colores reflejan estados de ánimo de la obra en sí, definidos por su grado de tonalidades, impresión y presión.

Una cualidad que no comparten con ningún otro medio: con ellos podemos realmente dibujar (trazar líneas) y pintar (manchas de color), cómodamente. Por otra parte, los lápices de colores, en integración con otras técnicas, se utilizan como parte del proceso final para dar precisión, vigor, volumen y definición a la obra.

Hay lápices de colores acuarelables, los secos  y los sticks, bastones o “todo mina”. Los primeros se utilizan en técnicas que simulan los efectos de la acuarela, por ejemplo, para pintar plantas; los últimos mencionados para recrear los efectos del pastel o de trazo ancho.

¿Pero cómo llegan hasta nuestras manos tal y como son?

Este proceso se maneja por etapas, las cuales se resumen en los siguientes pasos:

1) Se pesan, mezclan y calientan los diferentes ingredientes que componen la mina, mezclando arcilla con grafito. La diferencia con los lápices de color reside que la arcilla se mezcla con caolín, cera y pigmentos de color especializados. Los pigmentos pueden ser naturales o artificiales; se extraen desde la cochinilla o las plantas hasta mezclas complejísimas en laboratorio.

2) La pasta que conforma las minas baja por un cilindro impulsado por un pistón que va extrayendo una tira fina con forma de espagueti, un cuchillo rotativo va cortando las minas a medida que van saliendo.

3) Las minas se introducen en una caja cilíndrica la cual a su vez, reposa en una estufa en la cual las minas secarán a extremas altas temperaturas.

4) A la par, se procesa la madera con la cual se visten las minas, esta madera llega en forma de tablillas compresas, rústicas. Una máquina marca las ranuras en las cuales irán insertadas las

minas.

5) Se aplica pegamento en las ranuras, para que éstas puedan sostener las minas.

6) Ya con las minas puestas, una prensa aplasta el contenido que ya tenemos.

7) Este prensado, pasa por una filosísima cepilladora, la cual es la que otorga la forma deseada al lápiz.

8) Por último, una máquina pinta los lápices de colores (todo en varias unidades a la vez) y otra graba la marca, el color y su número.

Presentaciones de lápices de colores

En el mercado existen muchas marcas reconocidas de lápices de colores, los cuales nos proveen de diversos surtidos e incluso de diversas formas (redondeados, hexagonales, etc.) y que se adaptan a técnicas específicas como aquellos llamados "acuarelables" con los que podemos crear acabados muy cercanos a las acuarelas, pero también, es posible utilizarlos como los lápices de colores de "punta seca", aunque ciertamente en esta técnica, los lápices acuarelables muestran un matiz un poco más "apastelado" que aquellos resistentes al agua que dan un colorido aún más vivo. Estas dos presentaciones son las más usuales, aunque la marca DERWENT, por ejemplo,  ha creado un surtido extenso de lápices de colores para fines profesionales que extiende las posibilidades técnicas como aquellos llamados "colores metálicos" capaces de dar unos toques lumínicos a las obras bastante interesantes, sobre todo si los trabajamos en soportes más bien oscuros; también tenemos aquellos colores "todo minas" o "bastones de colores" que alguna vez sacó la REXEL CUMBERLAND, con los cuales se puede aplicar el color en grandes zonas tal y como si se trabajara con pasteles; o los ergonómicos Albrecht Dürer de la FABER CASTELL... Así pues, cada marca ofrece tantas posibilidades como surtidos de lápices y ¡por supuesto! ajustado a las posibilidades económicas de cada quien o a la conveniencia, gustos y experiencia, así vemos cajas desde 12 colores, pensadas para aquellos que se inician en estas técnicas, hasta aquellas de 24, 36, 48, 60, 72, 76 colores que son consideradas los formatos standard de los profesionales, y aún están aquellos estuches lujosos de madera que contienen 120, 160, e incluso 200 y 240 colores para perderse en un verdadero concierto policromático!!! Aquí les doy referencias de mis marcas preferidas con las que he tenido el gusto de trabajar:

Steadler: Fundada en el año 1835 la empresa cuya marca es hoy

sinónimo de diseño, técnica, funcionalidad y garantía de calidad.

tonos son bastante suaves, y el lápiz es algo cómodo, pero en caso de

sentirlo muy rígido, está la línea de los Staedtler Ergosoft, que es un

estuche de 24 colores, de cuerpo triangular y sumamente cómodos. Se

puede borrar con bastante facilidad siempre y cuando el trazo no sea

demasiado fuerte.

Faber- Castell: Lápices especialmente indicados para estudiantes, artesanos y

“hobbistas”

▪ Forma ergonómica triangular.
▪Mina pegada a la madera
▪ Por el formato triangular en alguna de sus presentaciones y las esferas disminuye la tensión digital al dibujar.

▪Indicado especialmente para trabajar en superficies no

tradicionales como cartón, madera,
cerámica y metal

He aquí una edición lujosa de la Faber Castell la cual contiene 120 colores policromos, 120
colores Albretch Dürer acuarelables, un surtido de 120 pasteles y 60 más en lápices para detalles
y otro surtido más de lápices que muy bien pueden ser considerados auxiliares de la técnica.

Derwent:

De todas las marcas quizás esta sea mi favorita puesto que realmente se han dedicado a un surtido inmenso de lápices para las llamadas "técnicas secas" y los lápices de colores tienen su preponderancia. Así tienen los llamados Inktense, son colores acuarelables pero con una vivacidad tremenda que recuerda precisamente a la calidad de la tinta china; están los watercolour los cuales, con ese nombre, casi no necesito hablar de ellos, pues, son prácticamente acuarelas prensadas en barritas de madera; tienen los llamados aquatones son barritas de color puro también acuarelables, aunque, para mis gustos, los encuentro algo rígidos, los metallic son colores casi mágicos, pues, proporcionan un brillo intenso y escarchado a las obras increible e igualmente, por extraño que parezca, son acuarelables ; luego le sigue la colección Artists y Studio digamos que son los colores standard de punta seca pero de muy buena calidad, hay estuches hasta de 120 colores, e igualmente de punta seca están los Coloursoft pero, a diferencia de aquellos, son mucho más dúctiles en el trazo y se puede crear con ellos texturas mucho más suaves; luego le seguiría los lápices pasteles y los pasteles en sí, pero ya habrá oportunidad de hablar de ellos.

Además de las colecciones mencionadas Derwent tiene prácticos estuches con surtidos mixtos
y carteras desplegables de cuero ideales para llevar cuando queremos dibujar al aire libre.

De los soportes para pintar con lápices de colores...


Los soportes para pintar con lápices de colores son tan extensos como marcas hay, pero se recomienda recurrir a aquellos soportes que no sean excesivamente rugosos o satinados, sino papeles acartonados de alta calidad. Se presentan tres clases de soportes, tomando como referencia la textura y coloración de su superficie.

1. Papeles de grano fino. Es el más recomendado ya que se produce
un trabajo suave, pero con excelente matiz.

2. Papeles de grano medio. Se utilizan para trabajos de formato grandey donde se persigan las texturas como objetivo del mismo.
Hay más presencia del blanco del papel.

3. Papeles de grano grueso. Se utilizan para formatos muy
grandes, llamativos y expresionistas.

4. Papeles de color. Se utilizan para trabajos más avanzados
con el fin de crear atmósferas deseadas en las obras.  

He aquí un listado de marcas de papel reconocidas a nivel

internacional:

1. Arches, Canson y Canson Demi-teintes –este último considerado

de los mejores-. Francia.

2. Schoeller Parole, Schoeller Turm. Alemania

3. Fabriano. Italia

4. Whatman, Winsor & Newton. Gran Bretaña

5. Grumbacher. Estados Unidos

6. Guarro. España

Las técnicas para pintar con lápices de colores.

Técnica lineal o rayado: Utiliza la superposición de líneascruzadas que forman tramas, para conseguir valores, matices y contrastes; en las zonas con más intensidad se sugiere que se tracen más líneas.

Técnica tonal: Es el método más utilizado, trata de trabajar siempre de menos a más modelando volúmenes, se valora y se matiza “manchando” de color con el lápiz. Se puede aparentar un efecto de mancha conlíneas superpuestas, es lo más recomendable.

Técnica de superimposición: Se utiliza para demostrar la sensibilidad de los colores secundarios utilizando solamente colores primarios.

Estratificación: Consiste en dibujar ligeramente sobre

un cierto tono o color con el mismo producto u otro

diferente de manera que se siga viendo por debajo de

su zona original.


Técnica del frotagge: Se utiliza para crear texturas; se pone el papel

de dibujo encima de una superficie rugosa, madera granulosa o

veteada, o en su defecto, tela de saco. Luego se frota con el lápiz de

manera que el papel se marque la textura y el dibujo del material que

está debajo.

Técnica del grattage (o raspado): Primero se utiliza la técnica tonal

como base, luego, con mucho cuidado, se aplica una capa de color

oscura, se toma una lanceta y se trata de hacer un dibujo a línea del

modelo con la misma. Cada trazo realizado llevará la cera del segundo

color como consecuencia del raspado, quedando debajo y visible el

pigmento de la primera caja.

Técnica del esgrafiado: Se dibuja linealmente un modelo con lápiz

grafito en un papel vegetal fino, posteriormente, mediante un punzón de

punta roma o un bolígrafo, se repasan las líneas del lápiz, presionando para conseguir hendiduras en el papel de abajo. Al retirar el papel

vegetal, se habrá obtenido un dibujo a base de hendiduras, finalmente

se pinta en la cartulina lo que no sean dichas hendiduras mediante la

técnica tonal.

Técnica del blanqueado: este método busca aparentar el resultado

obtenido con la técnica al pastel, para esto se debe aplicar

intensamente el color blanco, sí, así sencillamente, al mero estilo de la

técnica tonal, ya que el color blanco tiene la característica de fundir

color y trazos, desapareciendo los efectos propios del grano del papel.

Técnica del bruñido: Se utiliza para incrementar el brillo de

los colores, después de haber ilustrado con los lápices se friega la superficie con un trapo o con el dedo para producir leve brillo. La acción de frotar aplana las fibras de papel, afinando los colores y hunde las partículas de pigmento, lo que está técnica hace supera a cualquier método de superposición de colores.

 

Existen más técnicas como el  revestimiento, el puntillismo y las gradaciones.

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...¡Y no faltaba más! para tener más claras estas técnicas y demás recursos de los lápices de colores les dejo las enseñanzas de alguien con una vasta experiencia en este y otros temas, me refiero, al libro de J. M. Parramón: Así se pinta con lápices de colores. ¡Qué lo disfruten!

 

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